Nous interviewons Alessandro Bulgarini et Luca Siniscalco, respectivement l'artiste et le commissaire de l'exposition qui s'est tenue récemment au SpazioAref de Brescia.
di Lorenzo Pennacchi
Couverture : Alessandro Bulgarini, Samsara (né de nouveau), huile sur toile préparée, 2019
En octobre, nous avons eu l'occasion de visiter la dernière exposition personnelle du peintre Alessandro Bulgarini, né en 83, au SpazioAref au cœur du centre historique de Brescia. Guidés par l'artiste, nous sommes entrés dans un monde plein de senso, qui nous a émerveillés par la richesse de ses symboles et les multiples références issues de nombreux champs de connaissance. Un univers archétypal capable de susciter diverses interrogations, que nous avons directement adressées à Alessandro et au commissaire de l'exposition Luca Siniscalco.
Salut Alexandre !
Commençons par votre formation artistique.
Quand avez-vous abordé l'art ?
Salut Lorenzo, la passion pour l'histoire de l'art est née à l'époque de l'université alors que j'étudiais à la faculté d'économie; et en quelques années la vocation de Voie picturale, dont j'avais déjà appris les rudiments techniques tout au long de mon enfance, fréquentant l'atelier et les expositions de mon grand-père le peintre. Ce n'est que vers l'âge de vingt ans qu'émergent le besoin et la conscience de pouvoir m'exprimer par la peinture. J'ai alors commencé à visiter de nombreux musées en Italie et en Europe, chassant les auteurs que je pensais être les plus inspirés, m'interrogeant assidûment sur les méthodes techniques, les matériaux, les stratifications et les choix chromatiques, expérimenter en conséquence jusqu'à atteindre la technique actuelle que j'estimais adaptée aux problématiques que je traitais. Au départ, les références étaient les avant-gardiste du '900, en particulier le dadaïsme, la métaphysique et le surréalisme, avec lesquels j'ai toujours eu une affinité élective particulière, pour ensuite analyser plus en profondeur les iconographies, les thèmes, les techniques et les paradigmes de Renaissance et, en partie, des civilisations anciennes. Puis, en 2009, la rencontre avec Sérieusement Renard - fondateur de l'école viennoise du réalisme fantastique - et l'étude contemporaine d'auteurs tels que Carl Jung et les autres dont nous parlerons plus loin, ont été déterminants dans le choix de ce que je peins aujourd'hui.
Luca, vous suivez le travail d'Alessandro depuis un certain temps maintenant.
Pouvez-vous nous aider à retracer les étapes les plus significatives ?
Les étapes du développement de l'art d'Alessandro peuvent être reconnues dans deux processus autonomes mais convergents. D'une part, je parcours d'exposition, qui signalent la conquête progressive d'une identité de plus en plus distinctive au sein du "système" de l'art contemporain italien, à travers l'importante Hiérophanie (Pietrasanta, 2015), Code syncrétique (Brescia, 2016) et Haute fantaisie (Reggio Emilia, 2017), sans quoi IcôneSophia - résumé et somme des précédents - serait impensable. D'autre part, le recherche personnelle, d'ordre artistique et culturel (philosophique et ésotérique notamment), qui a conduit Alessandro à mêler avec originalité certaines tendances de sa première phase picturale (réalisme esthétique, critique sociale, fascination surréaliste) avec la prise de conscience qui s'en dégage précisément - et avec une clarté croissante , au fil des années - dans les expositions personnelles susmentionnées : l'art est une forge alchimique, de nature directe et sacrée, visant la transformation intérieure de l'artiste et des spectateurs qui s'en abreuvent. L'art du futur, selon Alessandro, sera donc "archéo-moderne» : Style original, vigoureux, icastique, avec des traits avant-gardistes ; vision archaïque, spirituelle, enracinée dans le symbole et adressée de manière intimiste aux archétypes.
Alessandro, raconte-nous la genèse de IcôneSophia. Pensez-vous que cette exposition s'inscrit dans la continuité de votre parcours ?
Le projet IcôneSophia est né déjà en 2018, quelques mois après la conclusion de l'exposition précédente Haute Fantaisie, mais j'ai trouvé des portes fermées et il a fallu deux ans pour arriver à un lieu convenable pour pouvoir le proposer. Entre-temps, le corpus d'œuvres s'est enrichi, poursuivant dans ce qui a été ma direction de recherche pendant au moins une décennie. IcôneSophia se pose certainement dans la continuité avec les expositions précédentes et propose en effet une définition globale de mon choix esthétique, retraçant les canons et expliquant les références philosophiques.
Luca, quels sont les éléments de soutien de IcôneSophia? Je pense, par exemple, au concept de peinture philosophique qui ressort du communiqué de presse.
C'est certainement l'un des thèmes fondamentaux que nous voulions mettre en lumière. La peinture exposée dans IcôneSophia, malgré son style figuratif et "agréable", ce n'est pas une décoration séduisante, une collection de "belles formes" qui flattent les palais conformistes des modernes, ni un exercice placide de rhétorique esthétique fin de siècle: Son un appel, alerte et péremptoire, à la sagesse qui se cache dans les images - et qui donne son titre à l'exposition. La peinture est "philosophique" dans la mesure où elle rappelle le potentiel philosophique et ésotérique - cognitif, en définitive - placé dans l'art, qui est, comme l'affirmaient les romantiques allemands, gnoséologie supérieure, forme suprême d'expérience de la réalité, à tous ses degrés. L'art authentique - dont Nietzsche était un chantre prophétique du "grand style" - est alors un geste de dépassement des contraires, une pratique de transformation intérieure qui implique à la fois l'artiste et le spectateur, une esthétique faite d'excès et de dissipation créative. Fondamentaux, en IcôneSophia, il existe d'autres thèmes qui agissent comme corollaire et approfondissement de l'image de la « peinture philosophique » : l'intérêt pour les symboles et les récits archaïques et traditionnels (dont la matrice initiatique, existentielle et pédagogique a souvent été oubliée dans la modernité) ; la récupération de l'image-icône contre les simulacres de la civilisation postmoderne qui nous est contemporaine ; l'importance deHaute fantaisie - l'imagination créatrice sur laquelle ont écrit les champions du réalisme magique du XXe siècle.
Alessandro, sachant que chaque tableau exposé cache un spectre de significations et une multiplicité de références, si vous deviez choisir des œuvres iconiques, laquelle indiqueriez-vous et pourquoi ?
Tout d'abord, je penserais à 3ème oeil, la représentation du "troisième œil" dans un portrait 3D où le personnage tente de sortir du tableau, et la greffe oculaire verticale renvoie à l'iconographie du poissons vesica o amande: connu en Inde et en Mésopotamie, il est devenu une constante de la symbolique chrétienne associée au Christ ou à la Vierge en Majesté, très fréquente à l'époque médiévale. Symbole de forme ogivale obtenu à partir de l'intersection de deux cercles, il représente la communication entre deux mondes, deux dimensions différentes, à savoir le matériel et le spirituel, l'humain et le divin, l'accès au monde imaginal. Puis àAndrogyne (en face de sunt complementa), avec l'union du masculin et du féminin, symbolisme alchimique très présent à l'époque de la Renaissance repris par Jung en référence à certains aspects de la psyché et aux problèmes qui s'y rapportent. L'homme et la femme sont complets lorsque les deux éléments présents dans chaque individu sont en équilibre. L'élément créatif et l'élément pratique, l'élément intuitif et l'élément logique-rationnel. C'est la notion de complémentarité des contraires,Omnes concordant en Un comme un dépassement de la dualité de l'existant perçu par les sens. Des réflexions qui reviennent souvent, bien que dans des sens différents, également dans d'autres œuvres de l'exposition. Pourtant, ça me vient à l'esprit L'oiseau de la connaissance de soi. En fait, le processus qui conduit au développement de la conscience - nous enseignent les anciens - passe nécessairement par la pratique de l'auto-observation. La "mémoire de Soi", la reste présent à toi crée un choc (la morsure de l'oiseau) qui ramène l'esprit àhic et nunc: le « ici et maintenant » également lié à la méditation, et présent dans toutes les traditions de sagesse, y compris celle bouddhiste de Siddhartha gautama:
Le secret de la santé physique et mentale n'est pas de se plaindre du passé, ni de s'inquiéter de l'avenir, mais de vivre le moment présent avec sagesse et sérieux. La vie ne peut avoir lieu que dans le moment présent. Si nous le perdons, nous perdons la vie. L'amour dans le passé n'est qu'un souvenir. C'est dans le futur, c'est de la fantaisie. Ce n'est qu'ici et maintenant que nous pouvons vraiment aimer. Lorsque vous vous occupez de ce moment, vous vous occupez de tout le temps.
Enfin, je pense à Samsara (né de nouveau). Ce terme sanskrit indique le cycle perpétuel de la vie, de la mort et de la renaissance. L'oeuf cosmique qui en contient une infinité d'autres dépeint ce cycle. La rupture de l'œuf, cependant, est aussi le dépassement du Samsara, l'émancipation du cycle des renaissances, le but ultime des Traditions Orientales.
Les développements de l'exposition ont évidemment été influencés par la pandémie. Alessandro, comment vivez-vous cette période historique si particulière ?
IcôneSophia il a ouvert ses portes le 29 février et a été ouvert aux visiteurs pendant la première semaine après quoi - en raison de la pandémie en fait - il est resté gelé jusqu'au 26 septembre, la nouvelle date inaugurale jusqu'au 25 octobre. Une deuxième étape suivra à Florence, et une troisième à Milan en 2021. Dans la formulation originale que j'avais prévue, dans l'exposition, aussi deux conférences sur les thèmes des Archétypes et la pensée imaginale, détenue par des auteurs (Marco Maculotti, Andrea Scarabelli, Claudio Marucchi, en plus du commissaire Luca Siniscalco) qui, depuis des années, participent à la diffusion de ces sujets, qui sont le substrat philosophique dans lequel mon choix esthétique peut être pleinement compris . Pour l'instant les conférences sont reportées, mais nous les proposerons à nouveau lors des prochaines expositions personnelles programmées. Après l'exposition et voyant approcher ce second confinement, j'ai de nouveau fait le plein de toiles, de pinceaux et de matériaux afin d'être autonome pendant plusieurs mois et je suis retournée me plonger dans le travail, dans de nouvelles oeuvres et dans les recherches sans fin sur Monde Imaginalis.
Dans l'introduction de Le spirituel dans l'art, Kandinsky soutient que "l'effort de faire revivre les principes esthétiques du passé peut créer au mieux des œuvres d'art qui ressemblent à des bébés mort-nés". Que pensez-vous de cette déclaration et qui sont vos artistes de référence ?
Kandinskij a raison car à mesure que les époques changent, les principes esthétiques et philosophiques de référence changent aussi et les artistes ont cycliquement inventé de nouvelles façons et de nouvelles formules pour communiquer leur message, en changeant l'objet de leurs représentations ou les techniques et matériaux avec lesquels les façonner. Ils ont ainsi produit du nouveau, subvertissant en quelque sorte les dogmes dominants dans le système culturel dans lequel ils s'inscrivaient et allant proposer de nouvelles références au public de demain. « L'art qui n'a pas d'avenir - écrit Kandinskij - qui n'est que la fille de son temps mais ne deviendra jamais la mère de l'avenir, est un art stérile. Il a une vie courte et meurt moralement dès que l'atmosphère qui l'a produit change ». De mon point de vue J'ai toujours ressenti une certaine distance par rapport à l'élément nihiliste - produit du matérialisme - qui imprègne et unifie une partie de la « culture » contemporaine e Je suis allé à la recherche de tout ce qui était à l'opposé de ce "vide", en opposition à la perte du Sacré qui nous rend aujourd'hui psychotiques. "L'art doit nous montrer ce que nous devons encore savoir" - dit le grand peintre visionnaire et chercheur raffiné de l'inconscient Pièces de rechange Austin Osman. Ce que la société d'aujourd'hui devrait vouloir savoir, c'est ce qu'elle a oublié, à partir de ses propres racines et traditions spirituelles. Une fois retrouvée une certaine identité historique et anthropologique, il s'agirait alors de lui montrer tout ce qui peut conduire l'individu à son propre éveil intérieur, ou du moins à une certaine prise de conscience. Un siècle plus tard, ce livre de Kandinsky apparaît maintenant à nouveau avant-gardiste et je suis encore plus d'accord quand il écrit :
La vie spirituelle, dont l'art est une composante fondamentale, est un mouvement ascendant et progressif, aussi complexe que clair et précis. C'est le mouvement de la connaissance. Elle peut prendre diverses formes, mais elle garde toujours le même sens intérieur, la même fin.
De quelles autres dimensions puisez-vous, outre celle purement picturale ? Y a-t-il des auteurs que vous considérez comme fondamentaux pour votre travail ?
Une grande partie de l'inspiration vient du tout début dimension littéraire et philosophique, à partir de la lecture de nombreux auteurs, découverts pas par hasard, dans lesquels au fil des années j'ai trouvé des éléments d'affinité ainsi que des indications et des idées pour donner un sens à mon "sentiment". Le Jung susmentionné, James, était certainement fondamental Hillman, Mircea Éliade, Ian P. Culianu, Élémire Zolla, Henri Corbin, Pavel Florenski, Jorge L. Borges, Alexandre Jodorowsky, italien Calvino et bien d'autres, même d'époques antérieures ; tous les auteurs qui ont investigué, chacun dans sa propre perspective d'étude, les thèmes de l'imaginaire et du monde imaginaire. En parallèle bien sûr, tout ce groupe d'artistes qui a donné forme à ce courant transversal de l'Histoire de l'Art qu'est le Fantastique, depuis Hieronymus Bosch à Guillaume Blake, en passant par le Symbolistesle Préraphaélites et surréalistes, arrivant enfin chez le regretté maestro Ernst Renard. Et puis il y a le Renaissance, avec cette aura persistante d'humanisme et d'immortalité, à un demi-millénaire d'ici.
Luca, tu as beaucoup écrit sur l'art d'Alexandre. Comment le définiriez-vous en quelques mots ?
Il Logos se trouve dans une condition structurale particulière : elle se rapproche de l'Ineffable, dont elle est irradiation, émanation antique, mais n'arrive jamais à le dire dans sa plénitude - il y a toujours un surplus mystérieux. À diverses occasions d'étude et de dialogue, j'ai pu nommer l'énigme de l'art d'Alexandre comme une « apologie de l'imagination », « art des archétypes », « pratique de la transformation intérieure », « peinture philosophique » (une image brillante, inventée du même artiste). Autant de définitions partielles et insatisfaisantes, qui témoignent aussi de la poétique de l'artiste. Voulant trouver une définition complexe mais icastique, regardant rétrospectivement l'admirable chemin parcouru par l'artiste, je parlerais finalement d'un "esthétique mythico-symbolique". Cette expression est une hyperbole, presque une tautologie puisque les trois termes qui la composent disent, en un sens profond, la même chose : l'esthétique est une perception sensible qui, dans le grand art du Canon occidental, est une porte d'entrée dans le domaine du suprasensible; le mythe est le précédent faisant autorité qui informe le plan immanent de l'énergie suprahistorique propre à la transcendance ; le symbole est la clé de la conjonction des contraires, la voie royale pour la conquête de la sagesse qui reflète la pluralité des états d'être. L'« esthétique mythico-symbolique » d'Alessandro Bulgarini est donc un décision affirmative radicale le long d'un parcours pédagogique de récupération de la sagesse de l'Origine qui trouve son déploiement et sa manifestation précisément dans l'art, le mythe et le symbole.
Vous remerciant ainsi que Luca pour leur disponibilité, Alessandro vous demande si vous avez quelque chose en préparation dans un futur proche ?
En plus de planifier - dès que possible - les deux prochaines étapes de IcôneSophia et les conférences précitées, je travaille désormais sur deux nouveaux projets encore en phase germinale : d'une part, une série d'ouvrages sur "archétypes de contes de fées”, Essayant de distiller leurs noyaux palpitants et numineux, la sagesse millénaire des enseignements qu'ils contiennent liés aux symboles de transformation dans les différentes étapes de la vie; de l'autre le papiers d'âme: portraits de l'âme sur papier fait main à saveur néo-Renaissance avec une attention particulière à la physionomie et au tempérament en rapport avec l'expressivité du visage.
Une version abrégée de cet entretien a été diffusée sur Artribune le 16 novembre 2020.
