Wir interviewen Alessandro Bulgarini und Luca Siniscalco, den Künstler bzw. Kurator der Ausstellung, die kürzlich im SpazioAref in Brescia stattfand.
di Lorenzo Pennacchi
Umschlag: Alessandro Bulgarini, Samsara (wiedergeboren), Öl auf präparierter Leinwand, 2019
Im Oktober hatten wir die Gelegenheit, die letzte Einzelausstellung des 83 geborenen Malers Alessandro Bulgarini im SpazioAref im Herzen der Altstadt von Brescia zu besuchen. Geführt von der Künstlerin betraten wir eine Welt voller senso, das uns durch den Reichtum seiner Symbole und die vielfältigen Referenzen aus zahlreichen Wissensgebieten in Erstaunen versetzte. Ein archetypisches Universum, das verschiedene Fragen aufwerfen kann, die wir direkt an Alessandro und den Kurator der Ausstellung, Luca Siniscalco, gerichtet haben.
Hallo Alessandro!
Beginnen wir mit deiner künstlerischen Ausbildung.
Wann haben Sie sich der Kunst genähert?
Hallo Lorenzo, die Leidenschaft für die Kunstgeschichte wurde zur Zeit der Universität geboren, während ich die Fakultät für Wirtschaftswissenschaften besuchte; und innerhalb weniger Jahre die Berufung dazu Bildlicher Weg, dessen technische Grundlagen ich bereits in meiner Kindheit erlernt hatte, besuchte ich das Atelier und die Ausstellungen meines Großvaters, des Malers. Erst im Alter von etwa zwanzig Jahren entstand das Bedürfnis und das Bewusstsein, mich in der Malerei ausdrücken zu können. Dann begann ich, zahlreiche Museen in Italien und Europa zu besuchen, den Autoren nachzujagen, die ich für die größte Inspiration hielt, und mich eifrig nach den technischen Methoden, den Materialien, den Schichtungen und der chromatischen Wahl zu fragen, entsprechend experimentieren bis hin zu der aktuellen Technik, die ich für die von mir behandelten Probleme als geeignet erachtete. Anfänglich waren die Referenzen die Avantgarde des 900, insbesondere Dadaismus, Metaphysik und Surrealismus, zu denen ich schon immer eine besondere Wahlverwandtschaft hatte, um dann die Ikonographien, Themen, Techniken und Paradigmen von zu vertiefen Rinascimento und teilweise der alten Zivilisationen. Dann, 2009, das Treffen mit Ernst Fuchs - Begründer der Wiener Schule des Phantastischen Realismus - und der zeitgenössischen Erforschung von Autoren wie z Carl Jung und die anderen, auf die wir später noch eingehen werden, waren ausschlaggebend für die Wahl dessen, was ich heute male.
Luca, du verfolgst Alessandros Arbeit schon seit einiger Zeit.
Würden Sie uns helfen, die wichtigsten Etappen zurückzuverfolgen?
Die Stationen in der Entwicklung von Alessandros Kunst lassen sich in zwei autonomen, aber konvergierenden Prozessen erkennen. Einerseits, ich Ausstellungsrouten, die die fortschreitende Eroberung einer zunehmend unverwechselbaren Identität innerhalb des "Systems" der italienischen zeitgenössischen Kunst durch das wichtige Personal signalisieren Hierophanie (Pietrasanta, 2015), Synkretischer Code (Brescia, 2016) und Hohe Fantasie (Reggio Emilia, 2017), ohne die SymbolSophia - Zusammenfassung und Summe der Vorhergehenden - wäre undenkbar. Andererseits ist die persönliche Forschung, künstlerischer und kultureller Natur (insbesondere philosophisch und esoterisch), was Alessandro dazu veranlasste, einige Tendenzen seiner ersten Bildphase (ästhetischer Realismus, Gesellschaftskritik, surrealistische Faszination) mit dem Bewusstsein, das sich präzise herauskristallisiert - und mit zunehmender Klarheit - originell zu verschmelzen , im Laufe der Jahre - in den oben genannten Einzelausstellungen: Kunst ist eine alchemistische Schmiede, von der direkten und heiligen Natur, zielt auf die innere Transformation des Künstlers und der Zuschauer, die daraus trinken. Die Kunst der Zukunft wird laut Alessandro daher „archäo-modern“: Origineller, kraftvoller, eisiger Stil mit avantgardistischen Zügen; archaische, spirituelle Vision, verwurzelt im Symbol und intimistisch an Archetypen gerichtet.
Alessandro, erzählen Sie uns etwas über die Entstehung von SymbolSophia. Glauben Sie, dass diese Ausstellung in Kontinuität mit Ihrem Weg steht?
Das Projekt SymbolSophia entstand bereits 2018, wenige Monate nach Abschluss der vorangegangenen Ausstellung Hohe Fantasie, aber ich fand einige geschlossene Türen und es dauerte zwei Jahre, bis ich an einem geeigneten Ort ankam, um es vorschlagen zu können. Inzwischen hat sich das Werkkorpus bereichert und setzt meine Forschungsrichtung seit mindestens einem Jahrzehnt fort. SymbolSophia entsteht sicherlich in Kontinuität mit den vorherigen Ausstellungen und schlägt in der Tat eine Gesamtdefinition meiner ästhetischen Wahl vor, indem sie die Kanons nachzeichnet und die philosophischen Bezüge erklärt.
Luca, was sind die Hauptelemente von SymbolSophia? Ich denke zum Beispiel an den Begriff der Philosophische Malerei das geht aus der Pressemitteilung hervor.
Das ist sicherlich eines der grundlegenden Themen, die wir hervorheben wollten. Das Gemälde ausgestellt in SymbolSophia, trotz seines figurativen und "angenehmen" Stils, ist es keine verführerische Dekoration, keine Sammlung "schöner Formen", die dem konformistischen Gaumen der Moderne schmeicheln, noch eine ruhige Übung in ästhetischer Rhetorik fin de siècle: Es ist eine wachsame und entschiedene Erinnerung an die Weisheit, die in den Bildern verborgen ist - und die der Ausstellung ihren Titel gibt. „Philosophisch“ ist die Malerei insofern, als sie an das philosophische und esoterische – letztlich kognitive – Potenzial der Kunst erinnert, das, wie die deutschen Romantiker behaupteten, überlegene Gnoseologie, höchste Form der Realitätserfahrung in all ihren Stufen. Authentische Kunst - für deren "großen Stil" Nietzsche ein prophetischer Kantor war - ist dann eine Geste der Überwindung von Gegensätzen, eine Praxis der inneren Transformation, die sowohl den Künstler als auch den Betrachter einbezieht, eine Ästhetik aus Exzessen und kreativer Verschwendung. Grundlagen, in SymbolSophia, gibt es weitere Themen, die als Folge und Vertiefung des Bildes der „philosophischen Malerei“ wirken: das Interesse an archaischen und traditionellen Symbolen und Erzählungen (deren initiatorische, existentielle und pädagogische Matrix in der Moderne oft vergessen wurde); die Wiederherstellung des Ikonenbildes gegen die Simulakren der für uns zeitgenössischen postmodernen Zivilisation; die Wichtigkeit vonHohe Fantasie - die kreative Vorstellungskraft, über die die Verfechter des magischen Realismus des XNUMX. Jahrhunderts geschrieben haben.
Alessandro, wenn Sie bedenken, dass jedes ausgestellte Gemälde ein Spektrum an Bedeutungen und eine Vielzahl von Referenzen verbirgt, wenn Sie einige ikonische Werke auswählen müssten, welches würden Sie nennen und warum?
Als erstes würde ich an denken 3. Auge, die Darstellung des "dritten Auges" in einem 3D-Porträt, bei dem die Figur versucht, aus dem Tisch herauszukommen, und das vertikale Augentransplantat bezieht sich auf die Ikonographie des vesica Fische o Mandel: In Indien und Mesopotamien bekannt, ist es zu einer Konstante in der christlichen Symbolik geworden, die mit Christus oder der majestätischen Madonna verbunden ist und im Mittelalter sehr häufig vorkommt. Spitzbogenförmiges Symbol, das sich aus dem Schnittpunkt zweier Kreise ergibt und die darstellt Kommunikation zwischen zwei Welten, zwei unterschiedliche Dimensionen, nämlich die materielle und die spirituelle, die menschliche und die göttliche, Zugang zur imaginären Welt. Dann beiAndrogyn (Gegenüber Sunt Complementa), mit der Vereinigung von männlicher und weiblicher, alchemistischer Symbolik, die in der Renaissancezeit sehr präsent war und von Jung mit Bezug auf einige Aspekte der Psyche und verwandter Probleme aufgegriffen wurde. Mann und Frau sind vollständig, wenn die beiden Elemente, die in jedem Individuum vorhanden sind, vorhanden sind Gleichgewicht. Das kreative Element und das praktische, das intuitive Element und das logisch-rationale. Es ist das Konzept von Komplementarität der Gegensätze, die Omnes konkordant in Eins als eine Überwindung der sinnlich wahrgenommenen Dualität des Vorhandenen. Reflexionen, die oft, wenn auch in anderer Bedeutung, auch in anderen Werken der Ausstellung wiederkehren. Trotzdem kommt es einem in den Sinn Der Vogel der Selbsterkenntnis. Tatsächlich verläuft der Prozess, der zur Entwicklung des Bewusstseins führt – die Alten lehren uns – notwendigerweise durch die Praxis der Selbstbeobachtung. Das "Gedächtnis des Selbst", die bleib dir selbst präsent erzeugt einen Schock (der Vogelbiss), der den Geist zurückbringtHIC et nunc: das „Hier und Jetzt“, das auch mit Meditation verbunden ist und in allen Weisheitstraditionen vorhanden ist, einschließlich der buddhistischen Siddhartha Gautama:
Das Geheimnis körperlicher und geistiger Gesundheit liegt nicht darin, sich über die Vergangenheit zu beklagen oder sich Sorgen um die Zukunft zu machen, sondern den gegenwärtigen Moment mit Weisheit und Ernst zu leben. Das Leben kann nur im gegenwärtigen Moment stattfinden. Wenn wir es verlieren, verlieren wir das Leben. Liebe in der Vergangenheit ist nur Erinnerung. Das in der Zukunft ist Fantasie. Nur hier und jetzt können wir wirklich lieben. Wenn Sie sich um diesen Moment kümmern, kümmern Sie sich um die ganze Zeit.
Schließlich denke ich an Samsara (wiedergeboren). Dieser Sanskrit-Begriff bezeichnet den ewigen Kreislauf von Leben, Tod und Wiedergeburt. L'kosmisches Ei die unendlich viele andere enthält, stellt diesen Kreislauf dar. Das Zerbrechen des Eies ist aber auch die Überwindung von Samsara, die Emanzipation des Kreislaufs der Wiedergeburten, das ultimative Ziel der östlichen Traditionen.
Die Entwicklungen in der Ausstellung waren offensichtlich von der Pandemie beeinflusst. Alessandro, wie erlebst du diese besondere historische Periode?
SymbolSophia es öffnete seine Pforten am 29. Februar und war in der ersten Woche für Besucher geöffnet, danach blieb es – aufgrund der Pandemie – bis zum 26. September, dem neuen Eröffnungstermin, bis zum 25. Oktober eingefroren. Eine zweite Etappe folgt in Florenz, eine dritte 2021 in Mailand. In der ursprünglichen Formulierung hatte ich auch innerhalb der Ausstellung vorgesehen zwei Konferenzen zum Thema Archetypen und imaginäres Denken, gehalten von Autoren (Marco Maculotti, Andrea Scarabelli, Claudio Marucchi, neben dem Kurator Luca Siniscalco), die seit Jahren an der Verbreitung dieser Themen beteiligt sind, die das philosophische Substrat darstellen, innerhalb dessen meine ästhetische Wahl vollständig verstanden werden kann . Die Konferenzen wurden vorerst verschoben, aber wir werden sie anlässlich der nächsten geplanten Personalausstellungen wieder vorschlagen. Nach der Ausstellung und dem Herannahen dieses zweiten Lockdowns habe ich mich erneut mit Leinwänden, Pinseln und Materialien eingedeckt, um für mehrere Monate autonom zu sein, und ich bin zurückgekehrt, um mich in die Arbeit, in neue Arbeiten und in die endlose Recherche zu vertiefen Mundus Imaginalis.
In der Einleitung zu Das Spirituelle in der Kunst, argumentiert Kandinsky, dass „der Versuch, ästhetische Prinzipien der Vergangenheit wiederzubeleben, bestenfalls Kunstwerke schaffen kann, die wie totgeborene Babys aussehen“. Was hältst du von dieser Aussage und wer sind deine Referenzkünstler?
Kandinskij hat recht, denn mit den Zeiten ändern sich auch die ästhetischen und philosophischen Bezugsprinzipien und die Künstler haben zyklisch erfunden neue Wege und neue Formeln um ihre Botschaft zu kommunizieren, indem sie das Objekt ihrer Darstellungen oder die Techniken und Materialien, mit denen sie geformt werden, ändern. Und so produzierten sie das Neue, indem sie irgendwie die vorherrschenden Dogmen des kulturellen Systems, in das sie eingefügt wurden, unterwanderten und neue Referenzen für die Öffentlichkeit von morgen vorschlagen würden. «Die Kunst ohne Zukunft – schreibt Kandinskij – die nur die Tochter ihrer Zeit ist, aber niemals die Mutter der Zukunft werden wird, ist eine sterile Kunst. Es hat ein kurzes Leben und stirbt moralisch in dem Moment, in dem sich die Atmosphäre, die es erzeugt hat, ändert ». Aus meiner Sicht Ich habe immer eine gewisse Distanz zum nihilistischen Element gespürt - Produkt des Materialismus - der einen Teil der zeitgenössischen "Kultur" durchdringt und vereint, z Ich machte mich auf die Suche nach allem, was im Gegensatz zu dieser "Leere" stand, im Gegensatz zum Verlust des Heiligen, der uns heute psychotisch gemacht hat. „Kunst soll uns zeigen, was wir noch wissen müssen“ – sagt der große visionäre Maler und raffinierte Erforscher des Unbewussten Austin Osman Ersatz. Was die heutige Gesellschaft wissen wollen sollte, ist das, was sie vergessen hat, ausgehend von ihren eigenen spirituellen Wurzeln und Traditionen. Wenn eine bestimmte historische und anthropologische Identität wiederentdeckt ist, dann würde ihr alles gezeigt, was den Einzelnen zu seinem eigenen inneren Erwachen oder zumindest zu einem gewissen Bewusstsein führen kann. Ein Jahrhundert später dieses Buch von Kandinsky erscheint jetzt wieder Avantgarde und ich stimme noch mehr zu, wenn er schreibt:
Das spirituelle Leben, dessen grundlegender Bestandteil die Kunst ist, ist eine aufsteigende und fortschreitende Bewegung, ebenso komplex wie klar und präzise. Es ist die Bewegung des Wissens. Es kann verschiedene Formen annehmen, aber es behält immer dieselbe innere Bedeutung, dasselbe Ziel.
Aus welchen anderen Dimensionen schöpfen Sie neben der rein bildlichen? Gibt es Autoren, die Sie für grundlegend für Ihre Arbeit halten?
Ein Großteil der Inspiration kommt von Anfang an literarische und philosophische Dimension, aus der nicht zufällig entdeckten Lektüre zahlreicher Autoren, in denen ich im Laufe der Jahre Elemente der Affinität sowie Hinweise und Ideen gefunden habe, um meinem "Gefühl" einen Sinn zu geben. Der bereits erwähnte Jung, James, war sicherlich grundlegend Hillman, Mircea Eliade, Ian P. Culianu, Elemi Teller, Henry Corbin, Pawel Florensky, Jörg L. Borges, Alexander Jodorowsky, italienisch Calvino und viele andere, sogar aus früheren Epochen; alle Autoren, die sich jeweils aus ihrer eigenen Studienperspektive mit den Themen der Imagination und der imaginären Welt auseinandergesetzt haben. Parallel dazu natürlich all jene Gruppe von Künstlern, die jene transversale Strömung in der Kunstgeschichte, die das Phantastische ist, von Hieronymus geprägt haben Bosch zu Wilhelm Blake, durch die Symbolisten, Präraffaeliten und Surrealisten, endlich beim verstorbenen Maestro Ernst angekommen Fuchs. Und dann ist da noch die Rinascimento, mit dieser anhaltenden Aura von Humanismus und Unsterblichkeit, ein halbes Jahrtausend entfernt.
Luca, du hast viel über Alexanders Kunst geschrieben. Wie würden Sie es kurz definieren?
Il Logos befindet sich in einem eigentümlichen strukturellen Zustand: es nähert sich dem Unaussprechlichen, dessen Ausstrahlung es ist, eine uralte Emanation, schafft es aber nie, es in seiner Fülle auszusprechen - es gibt immer ein mysteriöser Überschuss. Bei verschiedenen Gelegenheiten des Studiums und Dialogs konnte ich das Rätsel von Alexanders Kunst als „Apologie der Imagination“, „Kunst der Archetypen“, „Praxis der inneren Transformation“, „philosophische Malerei“ (ein brillantes Bild, geprägt vom selben Künstler). Alles Teil- und Unbefriedigungsdefinitionen, die auch von der Poetik des Künstlers zeugen. Auf der Suche nach einer komplexen, aber ekstatischen Definition würde ich im Rückblick auf den bewundernswerten Weg des Künstlers letztlich von einem "mythisch-symbolische Ästhetik". Dieser Ausdruck ist eine Übertreibung, fast eine Tautologie, da die drei Begriffe, aus denen er besteht, im Grunde dasselbe sagen: Ästhetik ist eine sensible Wahrnehmung, die in der großen Kunst des westlichen Kanons ein Tor zum Bereich der Ästhetik ist übersinnlich; der Mythos ist der maßgebliche Präzedenzfall, der die immanente Ebene von der der Transzendenz eigenen überhistorischen Energie informiert; das Symbol ist der Schlüssel zur Verbindung der Gegensätze, der Königsweg zur Eroberung der Weisheit, die die Pluralität der Seinszustände widerspiegelt. Die „mythisch-symbolische Ästhetik“ von Alessandro Bulgarini ist daher sind eine radikale positive Entscheidung auf einem pädagogischen Weg der Wiedergewinnung der Weisheit des Ursprungs, die gerade in Kunst, Mythos und Symbol ihre Entfaltung und Manifestation findet.
Alessandro dankt Ihnen und Luca für ihre Verfügbarkeit und fragt Sie, ob Sie für die nahe Zukunft etwas in der Pipeline haben?
Neben der Planung – so bald wie möglich – die nächsten beiden Etappen SymbolSophia und den erwähnten Konferenzen arbeite ich derzeit an zwei neuen Projekten, die sich noch in der Keimphase befinden: Einerseits eine Reihe von Arbeiten zu "Archetypen der Märchen“, der Versuch, ihre pulsierenden und numinosen Kerne zu destillieren, die tausendjährige Weisheit der Lehren, die sie enthalten, bezogen sich auf die Symbole der Transformation in den verschiedenen Lebensphasen; andererseits die Seelenpapiere: Seelenporträts auf handgeschöpftem Papier im Neorenaissance-Stil mit besonderem Augenmerk auf Physiognomie und Temperament in Bezug auf die Ausdruckskraft des Gesichts.
Eine gekürzte Version dieses Interviews wurde am 16. November 2020 auf Artribune veröffentlicht.
