Hollywood als moderner Mythos: Und wenn es wahr ist, dass Filme ihre eigene Sprache haben, und wenn die Sprache des Mythos das Symbol ist, Babylon von Damien Chazelle lässt sich vielleicht durch die Analyse seiner Symbole besser verstehen.
di Amedeo Legnani
Katholiken haben den Vatikan. Muslimisches Mekka. Die Kommunisten, Moskau. Frauen, Paris. Aber für Männer und Frauen aller Nationen, aller Glaubensrichtungen, aller Breitengrade wurde nach einem Vierteljahrhundert eine Stadt geboren, faszinierender und universeller als alle Heiligtümer. Es heißt Hollywood. Hollywood! Hier entstehen Träume und Lächeln, Leidenschaft, Nervenkitzel und Tränen, bestimmt für die ganze Erde. Es werden Gesichter und Gefühle konstruiert, die Millionen von Menschen als Maßstab, Ideal oder Droge dienen. Und jedes Jahr entstehen aufgrund der Illusion von Massen und Völkern neue Helden.
Joseph Kessel
Einleitung: DieEpos von Hollywood
Unter den in den letzten Jahren veröffentlichten Filmen hat kaum jemand die Öffentlichkeit und die Branche so gespalten wie der amerikanische Blockbuster Damien Chazelle, Jahrgang 1985. Vielleicht für die Dauer der Ausstellungen die mehr als drei Stunden dauert, sei es wegen der expliziten Szenen, man kann das Erlebnis, diesen Film anzusehen, nicht gleichgültig lassen. Obwohl er von den Preisverleihungsverbänden abgelehnt wurde und zu einem kommerziellen Flop führte, ist er, davon sind wir überzeugt, dazu bestimmt, sich als einer der mutigsten amerikanischen Filme seit vielen Jahren zu etablieren, und geht sogar so weit, ihn als das definitive metakinematografische Werk zu definieren (im Gegensatz zu die freistehende anthropologische Studie von François Truffaut in Nachteffekt [1975] und die revisionistische Fabel von Es war einmal in Hollywood von Tarantino [2020]): Noch nie wurde die Traumfabrik mit so viel Liebe und Hass erzählt wie vom jungen Regisseur von Providence.
Der Fehler kann durch Nachdenken entstehen Babylon ein „historischer“ Film (die Kritik des Drehbuchautors und Regisseurs Paul Schrader lässt in dieser Hinsicht wegen seiner historischen Ungenauigkeit schmunzeln). [1]): mehr als die perfekte Formel [2] von David Thompson, kann besser verstanden werden, wenn man sich zusätzlich auf den berühmten und kontroversen Aufsatz von bezieht Kenneth Zorn [3], ein klarer Bezugspunkt bereits im Titel, auch zu den mythografischen Essays von Mircea Eliade und Joseph Campbell: ein Film mythologisch. Daher scheint Chazelles Werk im Wesentlichen den großen mythischen Erzählungen antiker Zivilisationen näher zu sein als einer modernen historiografischen Erzählung: umso mehr Bacchae von Euripides, der Annalen von Tacitus. Immerhin schon Eliade, in seinem Aufsatz Die Mythen der modernen Welt, beobachtete er mit visionärem Blick:
Wir werden nicht auf den mythologischen Präzedenzfällen der meisten Shows beharren [...]: Allen gemeinsam ist die Eigenschaft, dass sie in einer „konzentrierten Zeit“ von großer Intensität stattfinden, einem Überbleibsel oder Ersatz für magisch-religiöse Zeit. „Konzentrierte Zeit“ ist auch die spezifische Dimension von Theater und Kino. Auch ohne Berücksichtigung der rituelle Ursprünge und mythologische Struktur von Drama und Filmbleibt die wichtige Tatsache bestehen, dass diese beiden Arten von Spektakeln eine ganz andere Zeit als die „profane Dauer“ verwenden, einen zeitlichen Rhythmus, der gleichzeitig konzentriert und gebrochen ist und über jede ästhetische Implikation hinaus eine tiefe Resonanz beim Zuschauer hervorruft.
[4]
Die Zeitkoordinaten der Handlung (Hollywood, zwischen 1926 und 1932, das einige der bedeutendsten Ereignisse seiner Geschichte durchläuft, wie den Übergang zum Klang und die Zensur des Hays Code, verschwindet, um zu einer zeitlosen Dimension zu gelangen (derIllo tempore Eliade am Herzen liegt) und transzendent im kraftvollen Ende: Aus dieser Perspektive erhält der gesamte explizite, typisch postmoderne Zitatismus, der den Film durchdringt, einen Wert, der über die bloße Referenzialität hinausgeht (im Gegensatz zu Tarantino, mit dem er zwei der Protagonisten teilt), auf den zurückgegriffen werden muss sein primäres archetypisches und ideales Wesen.
Hollywood-mäßig mythos ModerneDeshalb: Und wenn es wahr ist, dass Filme ihre eigene Sprache haben, und wenn die Sprache des Mythos das Symbol ist, kann Chazelles Film vielleicht besser durch die Analyse seiner Symbole verstanden werden.
Der Held und seine Dame
In der Vielzahl von Charakteren, um die sich das Epos des Films dreht, können wir zwei grundlegende Paare unterscheiden, die die wichtigsten Erzählstränge der Handlung bilden: Manuel Torres/Nellie Le Roy und Jack Conrad/Elinor St.John. Zwei unterschiedliche, aber spiegelbildliche Ereignisse.
In Nellie (Margot Robbie) und Elinor St. John (Jean Smart) finden wir die dualen Aspekte, dionysische und apollinische, der verkörperten Frau und die gleiche „initiatorische“ Funktion für die männlichen Protagonisten. Neben der Assoziation in den Namen ist es bezeichnend, dass beide zu Beginn mit roten Haaren erscheinen.
Nellie verkörpert das Bacchantin [5], die Amoralität des frühen Hollywood, frei und hemmungslos, aber auch der unaufhaltsamen Selbstzerstörung ergeben: Das ehrgeizige Mädchen einfacher Herkunft, das sich nach einer Zukunft als Filmstar sehnt, wird sofort zur Königin (Le Roy/Der König von Bacchanal Damit beginnt der Film (später werden wir tiefer auf die Bedeutung des Dei-Elements eingehen). Parteien nimmt in der Architektur der Geschichte zusammen mit dem Element der Musik das Objekt wilder, aber gleichzeitig verstörender Wünsche auf. In einer Szene wird sie über sich selbst sagen: „Sie haben mich durcheinander gebracht, alle haben mich durcheinander gebracht, [...] weil ich sie verärgert habe, und ich mag es, sie zu verärgern. […] Und wenn alles vorbei ist, verschwinde ich mit meinem tanzenden Hintern in der Nacht» [6].
Elinor, deren Nachname sich auf den Heiligen Johannes bezieht, der den Untergang des korrupten Babylon prophezeite [sic!], der Journalist, der den Ruhm der Sterne aufbaut und zerstört, repräsentiert jedoch die apollinische und orakelhafte Dimension: Scheinbar zynisch und distanziert wird sie es sein Um Jack, der jetzt auf dem Weg nach draußen ist, die traurige Wahrheit zu enthüllen: „Tatsache ist, dass Sie dachten, Sie seien unverzichtbar. Nun, das bist du nicht".
In Jack Konrad (Brad Pitt) finden wir die Figur des alten Königs, des zivilisierenden Helden („Bevor ich ankam, stand in Los Angeles an jeder Tür: „Keine Hunde und Schauspieler erlaubt.“ Bei mir hat sich das alles verändert“), naiv von der Unvermeidlichkeit des Fortschritts überzeugt, aber dazu bestimmt, von derselben Welt zerstört zu werden, die er mit geschaffen hatte. Aber gleichzeitig ist er zusammen mit seinem Schüler-Erben Manny derjenige, der wirklich das Potenzial des Kinos als Kunst versteht, die über bloße wirtschaftliche Interessen hinausgeht, ein wahrer Gläubiger der Liebe, auch wenn sein Eheleben katastrophal war (siehe Ibn 'Araber). Allerdings wird es sein Freund-Feind Elinor sein, der ihm die endgültige Einweihung geben wird, die ihn der Transzendenz in der Ewigkeit und der Bestätigung seines Glaubens weihen wird: „Und eines Tages werden diese Filme ihre Verstecke verlassen und alle ihre Geister werden zusammen speisen; Sie werden gemeinsam Abenteuer im Dschungel oder im Krieg erleben. […] Seien Sie dafür dankbar. Deine Zeit ist jetzt abgelaufen, aber du wirst ewig leben, zusammen mit den Engeln und Geistern.
In diesem Licht bekommt Jacks letzter Selbstmord einen neuen Aspekt, denn er ist die unvermeidliche Bedingung für seine Apotheose, statt eines langsamen Verfalls in immer mittelmäßigere Produktionen. caput mortuum des Sterns, der er war: Der König ist tot, es lebe der König!
Manny Torres (Diego Calva, Nomen est omen, wenn man bedenkt, dass „Torres“ auf Spanisch bedeutet 'Die Türme', und daher zu schillernden Aufstiegen und ruinösen Abstürzen prädestiniert), dessen Aufstieg in den Hollywood-Hierarchien beginnt, nachdem Jack ihn unter seine Fittiche genommen hat (wodurch er fast zu einer Vaterfigur, einem Mentor wird), wie er im Kino sieht „etwas Größeres, etwas Wichtiges, etwas, das von Dauer ist“, keine einfache Branche: Und aus diesem Grund muss er sich Prüfungen stellen, die es ihm ermöglichen, Teil der Welt zu werden, von der er so sehr geträumt hat. Seine verzweifelte Liebe zu Nellie, seiner Muse, unerreichbar und unaufhaltsam, wird ihn jedoch dazu bringen, der Verlockung der Macht der Studios nachzugeben und seine Seele zu verkaufen, bis hin zur Verleugnung seiner eigenen Identität, um sich der anzupassen Standards der neuen Finanzelite und der bürgerlichen WASP-Moral, die nach und nach die Macht übernehmen: Für ihn kann seine Erlösung nur nach einem symbolischen Abstieg in die Hölle und einer anschließenden Irrfahrt erfolgen.
Die Party, die Musik und die Stadt
Ein relevantes Element in der Handlung ist die Verwendung von Parteien, die für den Regisseur zu einer Gelegenheit werden, die Momente des Übergangs in der Geschichte zu erzählen und die Veränderungen in der Hollywood-Gesellschaft aufzuzeigen; Es ist jedoch wichtig darauf hinzuweisen, dass jede dieser Szenen mit der Figur eines oder mehrerer symbolischer Tiere verbunden ist [7], von immer erniedrigenderer und dunklerer Natur:
- Das Bacchanal (1926): das Debüt von Nellie und Jacks Königreich; Das zentrale Ereignis des Festivals ist das Erscheinen eines ELEFANTEN im Raum (es ist interessant festzustellen, dass das Tier in einigen Traditionen als Reittier des Gottes Dionysos bezeichnet wurde) in einer Umgebung, die von orgiastischer Promiskuität geprägt ist und in der gemeinsame soziale Spaltungen verschwinden [8], und was möglicherweise dem entspricht, was Historiker, vielleicht weitsichtiger als ihnen selbst bewusst, als das Goldene Zeitalter des Kinos definieren, parallel zu dem von Hesiod erzählten;
- Ankunft des Tonfilms (1927): Wir erleben den Aufstieg einer neuen bürgerlichen Klasse (Jacks neue Frau, gebildet und weltgewandt); Der Untergang von Jack und Nellie beginnt (beide werden sich als unzureichend für die Innovationen erweisen, die der Klang im Sternensystem mit sich bringt); SNAKE kämpft mit Nellie (der Verweis auf die Ikonographie der johanneischen Apokalypse ist fast zu deutlich); Wir befinden uns im Silbernen Zeitalter:
- 1932: Die industriekapitalistische Bourgeoisie ist zur neuen herrschenden Klasse in Hollywood geworden und führt eine neue Moral ein, die die Kreativität der Künstler reglementiert: Dies wird mit der Einführung von gefestigt Hays-Code [9]; Aus dieser Perspektive werden Akteure als Waren ausgebeutet, fast wie neue Sklaven. Dieses heuchlerische Umfeld kann nur der destruktiven Reaktion von Nellies ursprünglichem Vitalismus entsprechen, selbst wenn nur ein Pelzmantel aus einem toten KANINCHEN den Preis dafür zahlt. Hier ist schließlich der Eintritt in die Bronzezeit: wo Materie und Wirtschaft dominieren;
- die Party im Bunker: mitten in der Wüste, in einem Bunker gelegen, dessen absteigende (und erniedrigende) Struktur nur an die Kreise von Dantes Inferno erinnern kann, wo die Menschen von Los Angeles allen Perversionen freien Lauf lassen können, die durch den neuen vorherrschenden Moralismus unterdrückt werden auf dessen Boden sich ein KROKODIL befindet (vgl die Figur des „Seelenfressers“ Ammit in der ägyptischen Mythologie [10] und Níðhöggr für die nordische Mythologie) und ein MENSCHENTIERE mit vielen Gesichtern, das sich von lebenden Tieren ernährt und dem von Dante im dreiunddreißigsten Gesang des Infernos beschriebenen Bild Luzifers schrecklich ähnelt, dessen siderische Natur er auch teilt ( McKay bezeichnet ihn als „echter Star“). Il Kali Yuga, die Eisenzeit hat auch den Traum verschlungen… [11]
In all dem herrscht derjenige, der das Sagen hat Musik, offensichtlich Jazz [12], ein wahres Merkmal des Regisseurs (komponiert vom langjährigen Weggefährten, dem Preis). Oscar Justin Hurwitz); In diesem Zusammenhang ist es bezeichnend, dass einer der Hauptpunkte der Handlung mit der Ankunft des Films in den Kinos zusammenhängt Der Jazzsänger (The Jazz Singer, 1927), der erste Tonfilm der Geschichte, als ob er die Tatsache noch einmal bekräftigen wollte, dass Hollywood im Namen des Gottes des ekstatischen Rausches geboren wurde (aber auch der Schöpfer und Schutzgott der dramatischen Kunst, vergessen wir das nicht!): Alle Kunst tendiert zur Musik, wird Pitts Charakter irgendwann sagen.
Der Vergänglichkeit der Musik steht die Körperlichkeit einer expandierenden Stadt entgegen, die sich immer noch nicht von der sie umgebenden Wüste unterscheidet: In dieser Hinsicht Die Wüste wird zu einem Ort, der der Vision gewidmet ist (die Sets der zahlreichen gleichzeitig gedrehten Stummfilme, in einer fast traumhaften, Fata Morgana-Atmosphäre) und der Albtraum (Jack McKays Bunker); eine Kathedrale in der Wüste, die Fabrik, die Wunder, Reichtum und Ruhm verspricht, sich aber bald offenbart ein Babylon, das einem blutrünstigen Moloch gewidmet ist; Es ist kein Zufall, dass wir während des Films Zeuge echter „Menschenopfer“ werden, bei denen das Leben und die Würde seiner eigenen Diener geopfert werden: Zu den eindrucksvollsten Szenen des gesamten Films gehört die, in der der schwarze Trompeter Sidney Palmer (Jovan Adepo ) wird dazu gezwungen schwarzes Gesicht [13] in der Lage zu sein, eine Szene mit einer Band dunkelhäutiger Musiker zu drehen, um den Eindruck einer „gemischtrassigen Band“ zu vermeiden; oder alle, die vom unaufhaltsamen Marsch des Fortschritts zurückgelassen werden, alle, die die Mechanismen und den Reichtum der Industrie selbst antreiben: Die Show muss weitergehen…
Die Ekstase der Leinwand
Kehren wir zum Schluss noch einmal zu unserem Helden Manny zurück: Bei einem weiteren verzweifelten Versuch, „das Mädchen in Not zu retten“ aus den Fängen des skrupellosen Gangsters Jack McKay (ein schleimiger und teuflischer Tobey Maguire), steht er vor einer echten Katabasis in der verdorbensten Unterwelt von Los Angeles. Obwohl ihm die Flucht gelingt, bleibt er dennoch fast vernichtet und aller Dinge beraubt zurück, sodass er zur Flucht gezwungen ist, anders als der Musiker Palmer und der Dialogist Fai Zhu, die die Flucht als einen Weg der Erlösung wählen.
Schließlich kehrt Manny nach Jahren des Exils (wie ein neuer Parzifal) nach dem gemeinsamen und anonymen Leben, vor dem er selbst zu Beginn geflohen ist, nach Hollywood zurück und betritt zum ersten Mal seitdem widerwillig ein Kino, in dem sie sich gerade befinden zeigt genau das Im Regen singen von Stanley Donen [1952], ein Meisterwerk des Meta-Kinos schlechthin (das Lied markierte, wie erwähnt, auch den Moment, in dem Mannys Sturz beginnt, den Beginn seiner Korruption). Nach einem weiteren Schwenk auf die Gesichter der Zuschauer in ekstatischer Anbetung vor der großen Leinwand erleben wir, wie Manny in dem Moment, in dem er seine eigene, auf der Leinwand wiedergegebene Erfahrung wiedererkennt, seine Vergangenheit und seine Identität wiederentdeckt, von einer Erleuchtung getroffen wird. Damit kehren wir zu dem Bacchanal zurück, mit dem alles begann, von dem aus sich ein halluzinierender Überblick entfaltet, der die Geschichte des Kinos vom Stummfilm bis zur Computergrafik über sein Wesen und sein Werden hinaus nachzeichnet: Der zeitliche Verlauf kollabiert in einer ewigen Gegenwart und darüber hinaus , transzendiert die Form und das Bild bis hin zu den Elementen, die die eigentliche Struktur des Traums bilden: Von der Dreifarben-Trinität Technicolor über Schwarz und Weiß bis hin zur Grundschule Nicht-Dualismus des Lichts des Projektors und der Dunkelheit des Raumes, das eigentliche Prinzip des Kinos.
Es ist hier, „zusammen mit Engeln und Geistern“, dass Manny seine ehemaligen Weggefährten und seine Muse findet. Die letzte Szene zeigt ihn lächelnd, endlich erlöst und in Frieden.
HINWEIS
[1] Wir verweisen Sie jedoch auf die Lektüre seines wichtigen Aufsatzes über Paul Schrader Das Transzendente im Kino, Doncelli, 2002.
[2] Verweis auf David Thompsons Aufsatz Die perfekte Formel. Eine Hollywood-Geschichte (Die ganze Gleichung. Eine Geschichte Hollywoods, 2004), Mailand, Adelphi, 2022
[3] Kenneth Anger, Hollywood Babylon (Hollywood-Babylon, 1975), Mailand, Adelphi, 2021
[4] Mircea Eliade, Die Mythen der modernen Weltin Mythen, Träume und Geheimnisse, Turin, Lindau, 2007, S. 30 (meine Kursivschrift)
[5] Aus dieser Perspektive kann Nellie auch als die Scharlachrote Hure der Apokalypse angesehen werden
[6] Vgl. Bacchae, Vv. 45-50
[7] Zur symbolischen Bedeutung der genannten Tiere siehe die Einträge „Elefant“, „Schlange“, „Krokodil“, „Ratte“ in: Das Archiv zur Erforschung des archetypischen Symbolismus, Das Buch der Symbole, Taschen 2011; Juan Eduardo Cirliot, Wörterbuch der Symbole, Adelphi, 2021, Hans Biedermann, Enzyklopädie der Symbole, Garzanti, 1991, JC Cooper, Wörterbuch mythologischer und symbolischer Tiere, Neri Pozza, 1997
[8] Für eine eingehende Analyse der religiös-politischen Bedeutung von Bacchanal, siehe Gabriella D'Onofrio, Bacchanalien: Religion und Politik im antiken Rom, Giunti, 2001 und Basilio Perri, Livio, Geschichte der Bacchanalien, Einfach, 2019
[9] Die Hays-Code o Herstellungscode, 1930 offiziell formuliert, aber seit 1934 angewendet, war eine Reihe von Richtlinien, die vom MPPDA herausgegeben wurden (Filmproduzenten und -vertreiber in Amerika, Association of American Producers and Distributors), die regelte, was in Filmen gezeigt werden darf und welche Themen „moralisch akzeptabel“ sein dürfen, darunter Themen wie Prostitution, Drogen oder Homosexualität, aber auch die Zensur erotischer Szenen und verbale Vulgarität. Der Hays Code wurde 1968 offiziell abgeschafft.
[10] Siehe Boris De Rachewiltz, Das Totenbuch der alten Ägypter, Mediterranee, 1982
[11] Vergleichen Sie die beschriebenen Szenen mit Hesiods Beschreibung der vier Zeitalter der Welt in Die Werke und Tage, Vv. 109-201
[12] Für den Einfluss des Dionysischen in der Jazzmusik, zusätzlich zu den bahnbrechenden Erkenntnissen Nietzsches in Die Geburt der Tragödie, empfehlen wir den interessanten Aufsatz von Carmine Migliore Das Dionysische und das Apollinische in der Jazzmusik, Buch-Sprint-Ausgaben, 2020
[13] die Praxis von schwarzes Gesicht bestand darin, die Gesichter weißer Schauspieler mit schwarzem Make-up zu färben, um sie dazu zu bringen, schwarze Charaktere zu spielen (meist grotesk stereotyp), weit verbreitet im Theater mit der Minstrel Show und im Kino bis in die 1950er Jahre, als schwarze Menschen sie war nicht auf der Bühne erlaubt.
